Wie Henri Matisse lernte, mit der Schere zu zeichnen

Im Januar 1941 wurde Henri Matisse in Lyon zu einer Operation ins Krankenhaus gebracht, die er nach Einschätzung seiner Ärzte nicht überleben würde. Er war 71. Der Eingriff wegen einer Krebserkrankung rettete ihm das Leben, fesselte ihn aber weitgehend an Bett und Rollstuhl; seine Hände waren zu unsicher für die anhaltende körperliche Arbeit, die die Ölmalerei verlangte. Freunde und Kritiker hielten seine Laufbahn, die bereits vier Jahrzehnte währte, für so gut wie beendet.

Sie war es nicht. Was stattdessen folgte, war der letzte Akt seines Werks – und nach den meisten Urteilen derjenige, der das Denken des 20. Jahrhunderts über Farbe und Form stärker geprägt hat als alles, was er zuvor geschaffen hatte.

Zeichnen mit der Schere

Weil er nicht an der Staffelei stehen konnte, arbeitete Matisse vom Bett und vom Rollstuhl aus und ließ Assistenten große Papierbögen mit reiner, gesättigter Gouache bemalen. Dann schnitt er mit der Schneiderschere direkt in diese bemalten Bögen, heftete die entstandenen Formen an die Wände seines Ateliers und ordnete sie um, manchmal wochenlang, bis eine Komposition feststand. Er nannte es „dessiner aux ciseaux“ – mit der Schere zeichnen.

Es war eine seltsame Umkehrung dessen, wie Kunst eigentlich entstehen sollte. Gewöhnlich kommt die Zeichnung vor der Farbe; hier kam die Farbe zuerst, und das Zeichnen war der Akt, sie wegzuschneiden. Matisse beschrieb die Palette, nach der er in dieser Zeit griff, später als „lebhaft und heftig“ – eine Beschreibung, die zum Werk passt: flache, gesättigte Blau-, Rot- und Grüntöne, zu Formen geschnitten, die zugleich spontan und genau wirken.

Zwischen 1943 und 1947 entstand mit dieser Methode „Jazz“, eine Mappe von zwanzig Blättern, die seine Scherenschnitte im Pochoir, einem Schablonen-Handdruckverfahren, wiedergeben. Die Motive waren Zirkusartisten, Schwimmer, eine fallende Gestalt mit dem Titel „Ikarus“ – scheinbar verspielte Bilder. Doch „Jazz“ entstand im besetzten Frankreich, während eines Krieges, der Matisse’ eigene Familie bereits unmittelbar getroffen hatte. Vor diesem Hintergrund gelesen, wirkt die Helligkeit des Werks weniger wie Weltflucht als wie Trotz.

Eine Kapelle aus Papier

Ihren größten Maßstab erreichte die Scherenschnitttechnik einige Jahre später, als eine Gemeinschaft von Dominikanerinnen in Vence in Südfrankreich Matisse bat, ihnen eine Kapelle zu entwerfen – nicht nur ein Gemälde oder ein Wandbild, sondern den ganzen Raum: Glasfenster, Wandbilder aus Keramikfliesen, sogar die Messgewänder der Priester. Matisse, inzwischen Ende siebzig und noch immer meist im Rollstuhl, behandelte den Auftrag als eine einzige geschlossene Komposition. Er plante die Glasfenster so, wie er „Jazz“ geplant hatte: mit Papierformen, angeheftet, verschoben, neu bedacht, bevor auch nur ein Stück farbiges Glas geschnitten wurde. Die Chapelle du Rosaire wurde 1951 geweiht. Matisse selbst nannte sie sein Meisterwerk und stellte sie über Gemälde, an denen er ein Leben lang gearbeitet hatte.

Er arbeitete so bis zu seinem Tod 1954 weiter und schnitt Formen, die größer und einfacher wurden, je weiter er ging – der Schwimmer, das Blatt, die menschliche Silhouette, verdichtet auf einen einzigen sicheren Umriss. Kritiker, die die Scherenschnitte einst als schwachen Ersatz für „richtige“ Malerei angesehen hatten, erkannten in ihnen schließlich das Gegenteil: keinen von der Krankheit erzwungenen Rückzug, sondern eine echte Erfindung, wohl das Radikalste, was Matisse je geschaffen hat.

Es ist eine eigentümliche Art von Trost, gut siebzig Jahre später, dass die Formen, die in einem Krankenbett in Lyon entstanden, heute zu den bekanntesten der modernen Kunst gehören – reproduziert, zitiert und, ja, auf Alltagsgegenstände gedruckt wie die Tassen unserer Henri-Matisse-Sammlung. Matisse konnte nicht mehr an der Staffelei stehen. Er griff stattdessen zur Schere und veränderte, was man unter Zeichnen verstand.